10 albums de rock classique ruinés par une mauvaise production

Une bonne production est la moitié de la bataille pour qu'un album classique décolle. Tout au long de l'histoire du rock, certaines des chansons les plus célèbres de l'histoire ont été saluées pour leur excellente production, du mixage parfait aux sons qui donnent l'impression de venir d'une autre planète. Là encore, pour des artistes comme Metallica et The Velvet Underground, une excellente production a tendance à n'être qu'une suggestion lors de la création d'un futur classique.

Bien que les chansons de chaque disque classique puissent résister à l'épreuve du temps, la production aurait pu utiliser plus que quelques ajustements, allant d'un mixage de mauvaise qualité à un horrible équilibrage des niveaux. Bien qu'ils aient à leur disposition certains des meilleurs du secteur, une sélection des œuvres les plus célèbres des meilleurs de la musique rock ont ​​tendance à avoir une production qui donne l'impression que les instruments ont été enregistrés sous un oreiller moelleux ou au fond de l'océan.

Il y a plus d'une façon d'avoir une production terrible, cependant, et parfois les meilleurs albums de tous les temps ont des choix de production douteux dans la direction opposée. Même si les chansons sont peut-être toujours là, la surproduction des chansons pourrait jouer à leur détriment, rendant le mordant des guitares trop propre ou faisant sonner le chanteur comme un robot plutôt qu'un humain.

Alors que la plupart des artistes peuvent faire briller leurs meilleures chansons à travers une production terrible, ces classiques étaient sur le point de se battre lorsqu'ils ont violemment agressé les tympans de leur auditeur. Pour tout le matériel de qualité dans le mix, certains fans de rock voudront peut-être procéder avec prudence lorsqu'ils plongent dans ces disques.

Chaque facette du métal a dû changer d'un centime à la minute où les années 80 ont commencé. Bien que des milliers d'artistes profitent du succès de MTV, il y avait tout autant d'artistes hérités qui se bousculaient pour découvrir à quoi ressemblerait la prochaine phase de leur carrière. Alors qu'Ozzy Osbourne a peut-être lancé la prochaine génération de métal avec un peu de flash, Judas Priest a eu une période d'ajustement un peu difficile sur Turbo.

Pensé à l'origine comme un double album, Turbo succombe à l'un des travaux d'enregistrement les plus collants du milieu des années 80, avec des guitares plus proches de ce que faisaient les synthétiseurs à l'époque, laissant les solos de marque de Glenn Tipton sonner étonnamment en sourdine. Même avec l'impressionnant croon de Rob Halford sur des chansons comme "Turbo Lover", la plupart des morceaux ont tendance à sonner comme s'ils devraient sortir d'une contrefaçon bon marché d'une console Nintendo, avec Judas Priest servant de dur à cuire vêtu de métal.

Malgré les chansons décentes tout au long, Turbo reste plus une relique de son temps aujourd'hui que quelque chose de trop spécial, les mauvais se corrigeant sévèrement avant de revenir encore plus forts dans les années 90 sur Painkiller. La nouvelle vague de heavy metal britannique a peut-être plongé ses dents dans le format vidéo musicale, mais Turbo est le genre de ringard qui ne reste cool que pendant les 30 premières secondes où il commence à jouer.

Le succès peut parfois être tout aussi déconcertant que l'échec. Bien qu'Aerosmith ait été célébré comme un pilier du rock and roll à l'ancienne, ce n'est que dans les années 90 qu'ils ont marqué leur premier hit numéro un, avec "I Don't Want to Miss a Thing" devenant un incontournable de l'épopée de Michael Bay, Armageddon. Une fois qu'ils étaient au sommet, "The Bad Boys From Boston" a estimé que la prochaine étape logique était de refaire la même chose encore une fois… juste plus poppy.

Comme si les cordes sirupeuses de leur énorme tube n'étaient pas assez révélatrices de la fin des années 90, Just Push Play a inauguré l'an 2000 de la manière la plus stéréotypée possible, avec tout ce qui passe par l'objectif moderne de la pop. Bien que Joe Perry ait quelques coups de langue savoureux parsemés tout au long du disque, ils sont pratiquement annulés par la production fade, qui donne l'impression que Steven Tyler veut désespérément se transformer en l'équivalent masculin de Christina Aguilera.

En dehors du single à succès 'Jaded', le reste de l'album a tendance à donner l'impression qu'ils essaient de refaire le succès de 'Miss a Thing' sans qu'un gros film ne s'y rattache, ce qui en fait un tas de bandes sonores qui n'allaient jamais jouer en arrière-plan d'un film d'action des années 2000. La majeure partie de l'héritage d'Aerosmith était déjà intacte, mais leur introduction au nouveau millénaire a poussé certains fans de hard rock à se demander où tout s'était mal passé.

Aucun disque punk rock n'a été nécessairement connu pour ses valeurs de production immaculées. Toute écoute superficielle des albums de Black Flag ou des Sex Pistols fera savoir au public qu'aucun de ces joueurs ne cherchait à être le prochain Pavarotti. Même si les Ramones ont peut-être lancé tout le genre à l'époque avec leurs débuts, cela signifiait également qu'ils héritaient également de certains des traits négatifs du genre.

Alors que la plupart de leurs premières chansons ont fourni le test décisif de ce que serait le punk rock, il présente également certaines des productions les plus fracturées de tous les temps, avec chaque instrument sur un seul canal qui laisse les auditeurs modernes désorientés. Bien que cette tactique ait peut-être bien fonctionné à l'ère du vinyle, toute l'expérience audio est ruinée lorsque quelqu'un retire un écouteur, les basses et les guitares étant déplacées d'un côté et les voix au centre.

Là encore, les chansons derrière la production pourraient être parmi les plus grandes musiques punk rock jamais faites, donnant une tournure plus légère sur des sujets aussi macabres que battre des gosses et avoir un désir intense de renifler de la colle. Quand les groupes ont un budget punk rock, ils doivent travailler avec tout ce qu'ils ont, mais même quelques-uns de ces détails auraient pu être un peu plus passés sous silence.

C'est blasphématoire de mettre les mots "mauvaise production" et "Steely Dan" dans la même phrase. Dès le début du groupe, Walter Becker et Donald Fagen ont toujours envisagé le groupe comme une création de studio, travaillant toujours avec les meilleurs du secteur pour créer des vignettes sonores pures sur chaque album. C'est essentiellement ce qui est disponible sur Katy Lied… mais le processus de mixage a rendu les choses un peu plus compliquées.

Bien que ce disque abrite certains classiques de Steely Dan, il a également été réalisé à l'époque où certaines technologies de réduction du bruit étaient utilisées par des artistes de renom. Puisqu'il était connu de donner à chaque disque la qualité optimale, Becker et Fagen ont opté pour la nouvelle technologie à la première occasion… seulement pour qu'elle ruine le mixage initial du disque.

Même après quelques retouches et divers remixes au fil des ans, les deux membres de The Dan ont refusé d'écouter le mix original de l'album en raison de sa qualité inférieure à ce qu'ils entendaient dans leur tête. Là encore, leurs défauts ici auraient pu facilement les préparer aux triomphes ultérieurs sur toute la ligne. Katy Lied n'est peut-être pas l'expérience d'écoute la plus fluide de leur catalogue, mais arriver à quelque chose comme Aja plus tard en vaut la peine.

Depuis qu'il a quitté les Beatles, John Lennon avait un peu un albatros autour du cou. Après avoir dû faire face au départ de l'un des plus grands groupes du monde, Lennon s'est retrouvé à devoir rembourser une réclamation de droit d'auteur qu'il avait pour "Come Together", promettant à la succession de Chuck Berry d'enregistrer une poignée de couvertures avec le produit lui revenant pour avoir arnaqué "You Can't Catch Me". En théorie, Rock & Roll aurait dû être amusant, mais le "week-end perdu" de Lennon avait d'autres plans.

Enregistré pendant sa période sauvage au milieu des années 70, Lennon était connu pour avoir un calendrier insensé pour faire l'album, y compris à quelques reprises lorsqu'il s'est présenté au studio plus qu'un peu bourdonné. Le cycle d'enregistrement n'a pas non plus été aussi fluide que prévu, le cerveau du studio Phil Spector tirant avec une arme à feu dans le studio et repartant avec les bandes peu de temps avant la fin de l'album.

Bien que le son de Lennon rendant hommage à ses héros sur des chansons comme "Slippin and Slidin" soit assez amusant, la production exagérée de Wall of Sound ne convient pas à sa voix délabrée, étant l'une des seules choses dans le mix qui ajoute une sorte d'avantage à la musique. Puisque Lennon était connu comme l'esprit expérimental des Beatles, il est choquant de le voir produire quelque chose qui sonne aussi propre que son produit fini.

Bruce Springsteen a toujours prospéré grâce au pouvoir durable du E Street Band. Tout au long de son mandat de rock star, "The Boss" s'est appuyé sur chaque corde résonnant de son groupe comme sa puissance sur scène, restant toujours humble quant à l'utilisation de son armée de musiciens pour faire léviter chaque spectacle. Lorsqu'il a décidé d'écrire la musique la plus délicate de sa carrière, Springsteen l'a mise à nu plus que d'habitude dans le Nebraska.

Fabriqué sans l'aide d'aucun membre de E Street, la plupart des prises de cet album proviennent de l'époque où Springsteen faisait des démos de chansons dans son immeuble, n'utilisant généralement qu'une guitare acoustique et sa voix. Bien qu'il y ait une certaine esthétique qui vient de la production abyssale, il devient difficile d'écouter par endroits, avec les hurlements de Springsteen coupant le microphone et la guitare étant désaccordée sur une poignée de chansons.

Cependant, c'est l'une des rares fois où la valeur de production de mauvaise qualité améliore l'expérience, chaque mélange approximatif étant la toile de fond parfaite pour les héros brisés du mauvais côté de la loi ou traversant les luttes émotionnelles les plus difficiles de leur vie comme 'Johnny 99' de 'Highway Patrolman'. Springsteen avait beaucoup de choses en tête lors de la création de Nebraska, et écouter le disque dans ce format est ce que les fans se rapprocheront le plus de son esprit fracturé.

À la fin des années 90, Rush était dangereusement proche de disparaître complètement des yeux du public. Après que Neil Peart ait été frappé par deux décès tragiques consécutifs, le voyage de retour n'allait jamais être facile, le prenant généralement quotidiennement avec ses camarades de groupe avant de se reformer pour Vapor Trails. Le disque entier se lit comme une histoire de rédemption… tout en sonnant comme des clous sur un tableau noir.

Depuis la sortie du disque au début des années 2000, Vapor Trails a été victime des guerres de volume, avec certaines des productions les plus perçantes d'un album de Rush. Bien que de superbes compositions soient entremêlées tout au long de la liste des pistes, le volume initial est trop écrasant pour être négligé, chaque instrument coupant le microphone et faisant palpiter les tempes une fois le disque terminé.

Rush semblait également ressentir la même chose à propos de la production de mauvaise qualité, faisant même du remix de 2013 du disque la version définitive, avec la version originale de Loudness-Wars pratiquement purgée de l'histoire. Le fan de Rush moderne a peut-être maintenant les moyens d'entendre les chansons comme prévu, mais celles qui étaient là depuis le début ont eu le malheur d'avoir les oreilles saignantes tout au long de leurs écoutes initiales.

Aucun des morceaux classiques de The Velvet Underground ne peut prétendre avoir la meilleure production. Dès leur premier album massif, certains des plus grands magasins de musique du monde faisaient la queue pour critiquer l'étrange projet artistique de Lou Reed comme étant l'antithèse de ce que le rock and roll était censé être. S'ils pensaient qu'une chanson comme 'Heroin' manquait d'un bon mixage, White Light/White Heat est un doigt d'honneur dans cette ligne de pensée.

Lorsque le groupe a commencé à travailler sur son deuxième album, sa logique était d'envoyer tous les instruments dans le rouge, créant ainsi l'une des expériences d'écoute les plus caustiques de la fin des années 60. Bien qu'il y ait plus de quelques moments sur le disque où The Velvets profitent de leur énorme mur de bruit comme sur 'Sister Ray', cela crée une étrange période d'adaptation, surtout lorsque l'on essaie d'écouter la nouvelle qui se déroule au milieu de la chanson 'The Gift'.

Même si l'esthétique était peut-être un peu désarmante, les vagues de punk rock étaient à l'écoute, David Bowie adorant l'album et mettant la chanson titre dans sa setlist de Ziggy Stardust pendant des années. Bien que The Velvet Underground ait fait de la musique destinée à repousser les limites du rock and roll, c'est le genre d'album qui ne devrait être écouté que lorsque l'humeur est la plus fétide et que quelque chose d'abrasif est nécessaire.

Chaque album des Beatles a prospéré grâce à l'une des meilleures productions du secteur. Même si chaque membre du groupe était l'un des maîtres de leurs instruments respectifs, il a fallu que George Martin transforme leurs chansons en classiques, de ses compétences d'arrangement magistrales à sa façon d'interpréter toutes leurs idées étranges. Après que les sessions décriées pour The White Album se soient dissipées, leur façon de rebondir a fait un gâchis d'enregistrement.

Après avoir quitté le projet à mi-parcours pour travailler sur Abbey Road à la place, Let It Be est resté sur l'étagère pendant des années avant d'être peaufiné par Phil Spector, qui a ajouté certains des choix d'arrangement les plus inutiles. Bien que l'album donne à l'auditeur l'impression d'être une mouche sur le mur pendant les sessions, la production exagérée derrière quelque chose comme "The Long and Winding Road" était bien trop, même suffisamment énervé Paul McCartney pour qu'il remixe l'album à nouveau.

Alors que certaines chansons ressemblent à la version idéalisée de Spector des Fab Four, d'autres chansons se sentent encore au mieux à moitié cuites, comme Spector devant rejouer des parties de 'I Me Mine' en raison de sa courte durée d'exécution ou y compris d'étranges pistes de type intermède où le groupe avance péniblement sur des jams qui ne sont allés nulle part. Spector a peut-être été gâché lorsqu'il a reçu les bandes initiales, mais sa façon de récupérer le produit était comme essayer de mettre un éclat brillant sur quelque chose censé être brut.

Au sommet de sa renommée à la fin des années 80, Metallica pouvait très probablement travailler avec n'importe qui. Après être devenu l'un des plus grands groupes de rock d'arène sans même une vidéo à leur nom, le groupe était sur le point de capitaliser sur Master of Puppets lorsque le bassiste Cliff Burton a été tragiquement tué dans un accident de bus. Bien que chaque membre du groupe ait géré le chagrin à sa manière, la façon de s'en prendre au disque était de ne même pas reconnaître qu'il y avait un nouveau gars dans le groupe.

Même si le groupe a recruté Jason Newsted comme leur nouvel homme derrière le bas de gamme, leur façon de le bizuter sur son premier disque était de laisser tomber sa performance si bas dans le mix que personne ne pouvait le comprendre. Essayer de trouver un bas de gamme sur cet album est pratiquement impossible, la seule lourdeur décente provenant des cordes graves de la guitare de James Hetfield.

Bien que le groupe s'en tienne à sa décision de ne pas avoir de basse sur les arrangements, les performances sont encore suffisantes pour faire exploser les cheveux en arrière, comme l'étrange signature rythmique sur 'Blackened' ou leur chose la plus proche d'un hit sur la chanson 'One'. Là encore, si James Hetfield prétend avoir besoin d'une sorte d'aide, peut-être que le virage vers une production plus propre sur The Black Album était nécessaire.